Surreale Gemälde
Derzeit gibt es surrealistische Gemälde, die aus den Anfängen der Bewegung von Künstlern hervorgingen, die nach dem Ende des Ersten Weltkriegs und dem Beginn der bekannten dadaistischen Kulturbewegung ihre Kulturtechnik auf dem europäischen Kontinent entwickelten. Sein Hauptmerkmal bestand darin, sich dem vom Positivismus etablierten Vernunftdenken entgegenzustellen.
Obwohl die surrealistische Bewegung genau am 15. Oktober des Jahres 1924 geboren wurde, wurde sie als eine kulturelle, künstlerische und literarische Bewegung definiert, die die Realität überwinden und sich auf irrationales Denken und das Traumhafte konzentrieren will, durch die verschiedenen Ausdrücke, die das Unterbewusstsein automatisch dachte.
Wenn also etwas eine Konnotation hat, die jenseits aller Logik liegt und bis zur Absurdität irrational ist, wird es als surrealistisch bezeichnet und bezieht sich auf die bekannte surrealistische Bewegung, die in Frankreich dank des Schriftstellers André Breton entstand, der von der Psychoanalyse inspiriert wurde. Zu den herausragendsten Künstlern der surrealistischen Bewegung gehörten Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró und René Magritte.
Auf diese Weise sind die surrealen Gemälde voll von sehr unerwarteten Elementen und Gegenüberstellungen. Daher werden die Künstler und Schriftsteller, die der surrealistischen Bewegung angehören, die surrealistischen Gemälde als philosophischen Ausdruck beschreiben. Aber gleichzeitig waren die surrealistischen Gemälde sehr revolutionär und wurden mit verschiedenen Bewegungen wie Anarchismus und Kommunismus in Verbindung gebracht.
Als der Schriftsteller und Dichter André Breton in Paris das berühmte Surrealistische Manifest veröffentlichte. Damals wurde diese symbolträchtige Stadt zum Zentrum der surrealistischen Bewegung, die begann, sich in ganz Europa auszubreiten. Dort begann man, die ersten surrealistischen Gemälde auszustellen, die die Aufmerksamkeit der Massen und der Kunstkritiker erregten.
Wichtigste realistische Gemälde
Es handelt sich um eine der bekanntesten Bewegungen und ist bei verschiedenen Künstlern am präsentesten, da ihre surrealistischen Gemälde auf Fantasie, Vorstellungskraft und der Beschwörung der Traumwelt basieren.
Darüber hinaus basierten die Kunstwerke vieler Künstler auf Improvisation. Aus diesem Grund werden wir in diesem Artikel eine Reihe surrealistischer Gemälde detailliert beschreiben, die als einige der besten Werke der surrealistischen Bewegung in die Kunstgeschichte eingegangen sind. Unter ihnen ragen die folgenden hervor:
Die Beständigkeit der Erinnerung, Salvador Dalí
Eines der surrealistischen Gemälde, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit am meisten auf sich gezogen hat, ist das Werk „Die Beständigkeit der Erinnerung“, das der Maler 1931 schuf und in der Galerie Pierre Colle in Paris, Frankreich, ausstellte. Im darauffolgenden Jahr wurde das Werk in der Julien Levy Gallery in New York City in den USA gezeigt.
Salvador Dalís Werk befindet sich derzeit im Museum of Modern Art in New York (MoMA), das 1934 in dieses Museum kam. Es ist eines der kleinsten surrealistischen Gemälde, das es gibt, da es 24 cm hoch und 33 cm breit ist. Die Landschaft, die das Werk darstellt, ist sehr einfach und beobachtet ein Meer und eine Felsformation.
Es handelt sich um eines der surrealistischen Gemälde, auf denen mehrere Uhren zu sehen sind, die zu schmelzen scheinen und so die Relativität der Zeit betonen. Albert Einsteins bekannte Theorie, mit der sich zuvor der surrealistische Maler Salvador Dalí beschäftigt hatte.
Die Elefanten, Salvador Dali
Es ist anzumerken, dass Salvador Dalís surrealistische Gemälde ein Thema hatten, das sich ständig wiederholte: die Malerei von Elefanten. Aus diesem Grund vollendete er 1944 sein Werk mit dem Titel „Die Elefanten“, eines der surrealistischen Gemälde mit großer Bedeutung, da es Stärke, Macht und Dominanz darstellt.
Obwohl der Maler Salvador Dalí ein Statement von diesen Tieren abgibt, indem er fast unsichtbare Insektenbeine der Begierde platziert. Während die von den Tieren getragenen Obelisken Wissen und Stärke darstellen. Sie wurden in einer Skulptur in Rom von dem Italiener Gian Lorenzo Bernini dargestellt.
Das Werk befindet sich derzeit im Salvador Dalí Museum und ist in Öl auf Leinwand ausgeführt. Obwohl es im surrealistischen Stil gehalten ist, handelt es sich bei dem Werk um eine Landschaft, die eine geisterhafte Atmosphäre entwickelt und die folgenden Maße aufweist: 49 cm hoch und 60 cm breit.
Der große Masturbator, Salvador Dalí
Aufgrund seines Themas ist es eines der berühmtesten surrealistischen Gemälde überhaupt. Es handelt sich um ein Werk des spanischen Malers Salvador Dalí, das 1929 fertiggestellt wurde. Es wurde in Öltechnik auf einer Leinwand mit den folgenden Maßen angefertigt: 110 cm hoch und 150 cm breit. Das Werk ist weiterhin im Reina Sofía Museum in Madrid, Spanien, ausgestellt.
Es ist eines der surrealistischen Gemälde, das viele Theorien zur Psychoanalyse und zum Unbewussten enthält. In diesem Werk stellt der Maler viele Symbole dar, die er wiederholt verwendet, um eine komplexe sexuelle Szene auszudrücken, in der Ameisen, ein Hummer und eine sehr ruhige Meereslandschaft hervorstechen. Durch diese Arbeit konnten wir eine Tätigkeit aufdecken, die damals als tabu galt.
Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs), von Salvador Dalí
Das 1936 geschaffene Werk befindet sich derzeit im Philadelphia Museum of Art in den USA. Das Gemälde ist 100 cm hoch und 99 cm breit. Dieses Werk ist eines der surrealistischen Gemälde, die die Schrecken des spanischen Bürgerkriegs zeigen.
Es ist anzumerken, dass es sich hierbei um eines der surrealistischen Gemälde handelt, in denen die dargestellte Geschichte sehr aggressiv ist, da sie den Schrecken des spanischen Bürgerkriegs veranschaulicht. Der Maler verbrachte sechs Monate mit der Schaffung dieses Werks und begann damit, bevor der Bürgerkrieg begann. Aus diesem Grund begann Salvador Dalí, eine Art amorphe Person oder Monster zu malen, das aus mehreren Teilen besteht und andere Teile seines Körpers erwürgt.
Diese Figur wurde von einem Bein gebildet und von dort aus werden andere Extremitäten geboren, die versuchen, sich gegenseitig in Stücke zu reißen. Im oberen Teil des Gemäldes befindet sich ein lächelnder, aber von der Sonne geblendeter Kopf. Dieser Kopf ist mit Goyas berühmtem Gemälde Saturn verschlingt seine Kinder verwandt, weil es beim Betrachter Angst hervorruft.
Der Verrat des Bildes (Dies ist keine Pfeife), von René Magritte
Es handelt sich um ein Werk des Künstlers aus dem Jahr 1929 René Magritte das als Gemälde der Konzeptkunst gilt. Es handelt sich jedoch um eines jener surrealistischen Gemälde, bei denen der Künstler das für den Betrachter Offensichtliche leugnen möchte. Denn er schafft ein Kunstwerk und versieht es mit einer Inschrift, die das auf dem Gemälde Gesehene leugnet.
Es ist eine Arbeit, die gemacht wurde, um das Beobachtete einfach mit Worten zu leugnen und auf diese Weise beginnen, Sprache, Realität und Repräsentation in Frage zu stellen. Denn wenn man feststellt, dass es sich um eine Pfeife handelt, die aber nicht zum Rauchen verwendet wird, ist sie es einfach nicht. Deshalb offenbart der surrealistische Künstler René Magritte den Abgrund, der darin besteht, das Gesehene von der Realität zu trennen. Deshalb wurde über die Arbeit Folgendes gesagt:
„Die berühmte Pfeife. Was man mir dafür vorwirft! Und dennoch, könnten Sie es ausfüllen? Nein, natürlich ist es nur eine Darstellung. „Wenn ich auf die Schachtel geschrieben hätte: ‚Das ist eine Pfeife‘, hätte ich gelogen!“
Ebenso wird geschlussfolgert, dass sie in gewisser Weise auch eine Täuschung darstellen werden, sofern sie etwas darstellen wollen, da der Künstler in einem seiner Interviews Folgendes ausführte:
„Mein Ziel in der Malerei ist es, Gedanken sichtbar zu machen“
Diese Arbeit ist im renommierten Los Angeles County Museum of Art in den Vereinigten Staaten zu sehen. Der Originaltitel des Werkes lautet „Die Trahison der Bilder“ Die zum Malen der Arbeit verwendete Technik war Öl auf einer Leinwand mit den folgenden Maßen: 63 cm hoch und 93 cm breit.
Die philosophische Lampe, von René Magritte
Ein weiteres Gemälde des surrealistischen Malers René Magritte, das 1936 fertiggestellt wurde, ist eines der surrealistischen Gemälde, bei denen eine sehr enge Beziehung zwischen Vorstellungskraft und Lebensphilosophie besteht, da der Maler behauptet, dass die Person im Gemälde zwischen ihren Lastern und ihren Gedanken eingeschlossen ist.
Das andere wichtige Element im Gemälde "Die philosophische Lampe" ist, dass die Kerze in etwas Schlaffes verwandelt wird. Dieses Werk befindet sich derzeit in einer Privatsammlung, für die der Künstler Folgendes zu diesem Werk angab:
"Die Meditationen des Philosophen und Abgelenkten können uns an eine in sich geschlossene geistige Welt denken lassen, da hier ein Raucher ein Gefangener seiner eigenen Pfeife ist."
Menschensohn, von René Magritte
Das Werk „Son of Man“ zählt laut Kunstkritikern zu den bekanntesten surrealistischen Gemälden des Künstlers René Magritte, da er es als Selbstporträt schuf. Auf diesem Gemälde sehen wir eine Person mittleren Alters, die einen Mantel mit roter Krawatte und einen eleganten Bowlerhut trägt. Die Person steht und im Hintergrund sind ein wunderschönes Meer und ein bewölkter Himmel zu sehen.
Das Besondere an dem Werk ist jedoch, dass es sich um ein Selbstporträt des Künstlers handelt. Sein Gesicht ist jedoch durch einen grünen Apfel verdeckt, der nur einen kleinen Teil seiner Augen freigibt. Es ist außerdem eines der surrealistischen Gemälde, das Gegenstand unzähliger Parodien war und dadurch große Berühmtheit erlangte.
Das Gemälde befindet sich derzeit im Besitz einer Privatsammlung. Der Künstler schuf es 1964 in Leinwandtechnik und die Maße des Gemäldes sind die folgenden: 116 cm hoch und 89 cm breit.
The Observatory Hour – The Lovers, von Man Ray
Als einer der Künstler, die in der Dada-Bewegung begannen und sich später an die surrealistische Kunst wagten, gewinnen seine Werke erheblich an Wert, da er seinem Publikum seine unterschiedlichen Perspektiven auf die Realität aufzeigen möchte. Deshalb beendete er 1934 sein berühmtes Werk, bekannt als Liebhaber die auch als Observatory Hour bekannt ist.
Unter Man Rays verschiedenen surrealistischen Gemälden sticht dieses Werk aufgrund seiner erotischen Elemente hervor. Sie besitzen auch viele Eigenschaften, die in der Freudschen Psychoanalyse beschrieben werden. Aus diesem Grund zeigt dieses in Öl auf Leinwand ausgeführte Werk das Observatorium der Stadt Luxemburg in der Landschaft und am Himmel Lippen, die diese ewigen Liebenden darstellen.
Das Werk befindet sich derzeit in einer Privatsammlung, da sein Käufer bei einer Auktion in New Yorker Galerien rund 750 US-Dollar dafür bezahlt hat. Es handelt sich um eines der teuersten surrealistischen Gemälde, da das vorherige surrealistische Gemälde von Salvador Dalí dreimal weniger kostete.
Shakespeare-Gleichung, Twelfth Night, von Man Ray
Im Jahr 1948 schuf der surrealistische Künstler Man Ray ein Gemälde, das von den Stücken William Shakespeares inspiriert war, insbesondere von dem bekannten Werk „Was ihr wollt“, auch bekannt als Die Nacht der zwölften Könige.
Die Arbeit besteht aus mehreren Objekten, die keine Beziehung zueinander haben. Genau wie die Charaktere im Stück, von denen keine mit der anderen verwandt ist, werden durch das ganze Stück komplexe und dramatische Fäden gezogen. In dem Gemälde stechen vor allem ein Straußenei und eine Art phallisches Objekt hervor, die auf die Werke des surrealistischen Künstlers Man Ray verweisen.
Das Werk ist 86 cm hoch und 75 cm breit und wird dauerhaft im renommierten Hirshhorn Museum and Sculpture Garden der Smithsonian Institution ausgestellt.
Ich und das Dorf, von Marc Chagall
Obwohl es sich um ein Werk des Malers Marc Chagall handelt, kann dieser Künstler in keine künstlerische Richtung eingeordnet werden, aber das vorliegende Werk ist eines der berühmtesten surrealistischen Gemälde, die es aufgrund der Menge sehr kreativer und traumhafter Elemente gibt.
Es ist auch ein Gemälde aus dem Jahr 1911, und es zieht die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf sich, weil das Gesicht einer Kuh zu sehen ist, die ein mütterliches Symbol auf einem grünen Feld ist, das die Figur eines anderen Gesichts hat. Darüber hinaus wird die Bemalung mit verschiedenen Symbolen alltäglichen Ursprungs in einer Art Atmosphäre mit vielen Farben ergänzt. Die Arbeit befindet sich derzeit im renommierten New York Museum of Art.
Promis von Max Ernst
Der Künstler Max Ernst ist auch als ein weiterer Künstler bekannt, der keiner einzigen künstlerischen Bewegung zugeordnet werden kann, da er verschiedene Techniken aus verschiedenen Bewegungen verwendete, von denen der Dadaismus und der Surrealismus hervorstechen.
Als die Arbeit bekannt als Ich und das Dorf Eines der surrealen Gemälde, in denen eine Collage erstellt wird, in der Sie sich mit verschiedenen Texturen der verschiedenen vom Künstler verwendeten Materialien identifizieren können. Obwohl viele Kunstkritiker behauptet haben, dass der Künstler mehrere zufällige Assoziationen vorgenommen hat, um dem Gemälde eine surreale Darstellung zu verleihen.
Das Werk hat die folgenden Abmessungen: 125 cm hoch und 107 cm breit, wobei die Hauptfigur des Gemäldes eine Form ist, die wie ein Elefant aussieht, aber viele sexuelle Konnotationen hat. Ebenso erscheint eine Art Turm, der einem Phallussymbol ähnelt.
Katalanische Landschaft (Der Jäger), von Joan Miró
Es handelt sich um ein Werk des surrealistischen Malers Joan Miró, der mit dem Malen im Jahr 1923 begann und es im Jahr 1924 vollendete. Das Bild wurde in Öltechnik auf einer Leinwand mit den folgenden Maßen angefertigt: 64 cm hoch und 100 cm breit.
Als eines der wichtigsten surrealistischen Gemälde aufgrund des Stils, mit dem der Maler Joan Miró eines der brillantesten Werke ist, hebt es auch die Elemente hervor, zu denen der katalanische Jäger, ein Dreieck mit Auge, Schnurrbart und Bart, eine Pfeife gehören , eine Barretina und ein Ohr.
Die restlichen Elemente, die in der Arbeit enthalten sind, zeigen uns, dass es sich um eine sehr trockene, aber katalanische Landschaft handelt, die sich auf die Bestattung der Sardine bezieht. Derzeit wird diese Arbeit im renommierten Museum of Modern Art in New York City (MoMA) aufbewahrt.
Die Unsichtbaren, von Yves Tanguy
Der in Frankreich geborene Künstler Yves Tanguy. Sohn eines pensionierten Marinekapitäns, der in Paris eines der Gemälde des Malers Giorgio de Chirico sah und so fasziniert war, dass er beschloss, sich der Malerei zu widmen. Deshalb begann er, alles zu studieren, was mit Kunstwerken zu tun hatte, und schuf 1927 mit seiner Farbpalette eines der surrealistischen Gemälde, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit am meisten erregte, mit dem Titel "Mama, Papa ist verletzt!".
Das vorliegende Gemälde in gräulichen Farben mit verschiedenfarbigen Blitzen ist eine außerirdische Landschaft voller abstrakter Figuren und anderer eckiger Figuren, die wie zerbrochene Prismen aussehen werden. Die ganze Arbeit sieht ein bisschen faszinierend aus.
Der etwas einsame Kaktus der Arbeit und die Rauchmasse, all dies ist mit einer Schattenlichtprojektion ausgestattet, die in der leeren Landschaft der Arbeit akzentuiert wird und in der Öffentlichkeit eine Art Rätsel für das schafft, was in der Arbeit passiert ist . . .
Derzeit befindet sich das surrealistische Gemälde in einer Dauerausstellung im Museum of Modern Art in New York (MoMA) in den Vereinigten Staaten und hat folgende Abmessungen: 92 cm hoch und 73 cm breit.
Die Unsichtbaren, von Yves Tanguy
In ähnlicher Weise malt der französische Maler im Jahr 1951 nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ein weiteres der berühmtesten surrealistischen Gemälde, bekannt als „Die Unsichtbaren“, und dieser Maler ging in die Vereinigten Staaten, um dort zu leben.
Obwohl dieser Maler immer von den Sammlungen anderer Künstler inspiriert wurde, seine eigenen surrealistischen Gemälde zu machen, war dieses Werk von ihm eine Idee des Dichters und Schriftstellers André Breton über eine Idee, dass es unsichtbare Kreaturen gibt.
Der französische Maler begann, abstrakte Gebilde zu malen, die ein organisches Aussehen hatten und sich an verschiedenen scharfen Strukturen festhielten. Der Hintergrund des surrealen Gemäldes zeigt einen nebligen und bedrohlichen Himmel. Laut Kunstkritikern handelt es sich um eine phantasmagorische Arbeit, die vor einem leblosen Hintergrund spielt, der Wesen aus anderen Welten heraufbeschwört, obwohl es keine rationale Erklärung gibt.
Dieses Werk befindet sich derzeit in einer Dauerausstellung im Tate Modern Museum in London, England, es ist in Öl auf einer Stoffleinwand mit folgenden Abmessungen gefertigt: 98 cm hoch und 81 cm breit.
Autobiographie eines Embryos, von Eileen Agar
Ein Künstler britischer Herkunft, der in der Stadt Buenos Aires, Argentinien, geboren wurde. Führen Sie die als "Autobiographie eines Embryos" bekannte Arbeit auf der Grundlage einer Reihe surrealer Techniken aus, mit denen er beginnt, die Leinwand in vier Teile zu teilen, und wendet auch Techniken der griechischen Kunst an.
Ebenso konzentriert es sich in der surrealistischen Malerei auch auf Anspielungen auf die griechische Kunst und die Renaissance.Kurz gesagt, was der renommierte Künstler getan hat, war, viele Kulturen zu evozieren, was dieses Werk zu einem der berühmtesten surrealistischen Gemälde für die Beschwörung des kulturellen Erbes macht wie von verschiedenen Kunstkritikern definiert.
Das Gemälde befindet sich derzeit in der Tate Modern in London in England und hat folgende Maße: 91 cm hoch und 213 cm breit. In dieser Arbeit können Sie auch mehrere Figuren sehen, die den Zellen und Elementen der biologischen Welt ähneln.
Was das Wasser mir brachte, von Frida Kahlo
Es ist eines der Werke des mexikanischen Künstlers Frida Kahlo Dort malt er eine Badewanne, die weiß ist mit blauen Schatten und das Wasser wird durch die große Menge an Elementen, die er platziert, etwas trüb. Was in dem Werk am meisten auffällt, sind seine Füße und wie sie sich im Wasser spiegeln.
Auf die gleiche Weise platziert die Künstlerin einen großen Plug in der Mitte ihrer Beine oder etwas höher, während ihre Finger rot bemalt sind, aber der große Zeh Blut ablässt, das einen toten Vogel erreicht. In allen Arbeiten wollen wir alles zeigen, was der mexikanische Künstler erlebt hat.
Derzeit befindet sich dieses Werk in der Stadt Paris und gehört zur Privatsammlung von Daniel Filipacchi. Es sei darauf hingewiesen, dass das Werk 1938 vom Künstler angefertigt wurde und folgende Maße hat: 91 cm hoch und 73 cm breit.
Die zerbrochene Säule, von Frida Kahlo
Es handelt sich um ein weiteres der berühmtesten surrealistischen Gemälde der in Mexiko geborenen Malerin, das sie im Alter von 37 Jahren schuf. Es versucht, alles zu erzählen, was in ihrem Leben nach dem Unfall geschah, den sie 1925 als Teenager erlitt.
Bei diesem Unfall erlitt die Malerin Frida Kahlo einen dreiteiligen Bruch der Wirbelsäule, der sie zu mehreren Operationen zwang und ihr Leben lang große Schmerzen bescherte.
In dem Werk, einem Selbstporträt von Frida Kahlo, erzählt sie von all dem Leid, das sie erlitten hat, und weint deshalb. Sie stellt eine ionische Säule dar, die in drei Teile zerbrochen ist und ein unbequemes Korsett trägt. Darüber hinaus platziert er eine Reihe von Nägeln, die all die Schmerzen veranschaulichen, die er in jedem Teil seines Körpers erleidet.
Diese Arbeit ist im Dolores Olmedo Museum in Mexiko-Stadt in Mexiko zu sehen. Mit einer Höhe von 30 cm und einer Breite von 39 cm ist es auch eines der kleinsten surrealistischen Gemälde, die es gibt.
Exquisite Leiche
Diese Arbeit ist aus einem Spiel entstanden, das die Künstler der surrealistischen Bewegung spielten, da sich diese Künstler in den 1920er Jahren trafen, um ein sehr seltsames Spiel zu spielen, das sie "Consequences" nannten, bei dem jeder Künstler bereits ein Element zum Kunstwerk beiträgt Nach folgender Regel muss ein Verb und dann ein Adjektiv gesetzt werden, und daraus entstand das bekannte Werk „The Exquisite Corpse“
Jeder Teilnehmer fertigte eine Zeichnung an und versteckte sie und gab sie an den anderen Teilnehmer des Spiels weiter. Am Ende des Spiels wurde das Papier enthüllt, wodurch die von allen Künstlern gemachte Figur erhalten wurde, und dies sollte enthüllen, was im Unterbewusstsein verborgen war.
Augen auf den Tisch, von Remedios Varo
Ein 1935 fertiggestelltes Gemälde des von der surrealistischen Bewegung beeinflussten Künstlers Remedios Varo. Dieses Werk präsentiert sich als Spiel der Fantasie, da es die Augen von einer Brille mit Wimpern trennt und das Ganze auf einem scheinbar schwebenden Tisch zu finden ist.
Auf diese Weise sieht der Betrachter ein surreales Gemälde, bei dem die Augen scheinbar von außerhalb der Linsen herausschauen, um den Defekt zu korrigieren. Für den Betrachter handelt es sich um eine unwirkliche Brille mit Wimpern. Die Arbeit wird in Gouache-Technik auf Papier ausgeführt.
Bestickung des Erdmantels, von Remedios Varo
Eine Arbeit aus dem Jahr 1961, eine weitere Arbeit des spanischen Mexikaners Remedios Varo, in der der Künstler eine Szene aufführt, die als Towards the Tower and the Flight bekannt ist. Diese Szene wird personifiziert, wenn der Künstler im Kloster Zeit beim Weben verbrachte, während jemand anderes etwas las.
In der Szene wird versucht zu zeigen, dass viele Frauen webten, aber der Faden entsprang einer mysteriösen Quelle. Die vorliegende surrealistische Arbeit wurde in Öl auf Hartfaser ausgeführt. Die Arbeit ist in einer sehr fantasievollen Handlung entstanden, die viel Sensibilität verdient hat.
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